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Senza smettere d’inventare la vita
Si
chiuderà oggi a Villa Galvani di Pordenone la mostra
di opere di Vincenzo Accame intitolata
“Pittura e scrittura” promossa dall’Associazione cifrematica.
Ospitiamo oggi un contributo critico di Riccardo Caldura.
E’ una mostra rara quella ospitata
a Villa Galvani. Rara soprattutto in tempi nei quali
l’offerta espositiva in spazi pubblici sembra risolversi in macro eventi,
che se trovano una loro giustificazione nel complesso intrecciarsi di aspetti organizzativi (con relativi costi) e il conseguente
bisogno di raggiungere un pubblico numeroso, rischiano di smarrire invece
quelle componenti più discrete del fare arte, che hanno bisogno di attenzione
e cura proprio perché sondano ambiti culturali meno frequentati, e di conseguenza
meno risaputi. “Pittura e scrittura” è una mostra che fin dal titolo si propone
di sondare linee di ricerca meno ovvie, e che allo stesso tempo sono profondamente
connaturate alle vicende artistiche del Novecento.
Le opere di Vincenzo Accame sono
la testimonianza di un itinerario artistico e poetico fra i più raffinati
in Italia, e non solo in Italia, che tocca con grande
delicatezza il rapporto tra la parola scritta e l’immagine che da quella medesima
parola può essere generata. Richiamando Martin Heidegger,
un pensiero del quale, tratto dall’”Origine dell’opera d’arte” apre idealmente
il volume di Accame “Anestetica”
(Spirali 1998), si potrebbe dire che tutta l’opera dell’artista nato a Loano
(Savona) nel 1932 e morto a Milano nel 1999, può essere ricondotta alla questione
dell’origine del “Segno poetico”, volume edito nel 1981 e da Accame
dedicato ai “materiali e riferimenti per una storia della ricerca poetico-visuale
interdisciplinare”.
In una lunga conversazione avuta con Armando Verdiglione e pubblicata in “Omissis” (Spirali, 2003) Vincenzo
Accame ricorda gli inizi della sua avventura letteraria
e artistica. Era il gennaio del 1966 quando da Rinaldo Riotta a Genova, presenta le sue prime pitture come scritture,
immagini di un deragliamento della poesia che non si risolve più in quel valore della parola, il cui piacere “si
risolve nella lettura” (G. Ballo). La parola per Accame
si fa segno, oscilla verso questa sua seconda natura così che ne emerga una dimensione ulteriore, quella visiva appunto.
Non è facile accettare questa oscillazione, quando
“Nuvole” e il suo equivalente “Wolken” vengono serratamente ripetendosi sul foglio fino a costituire un’immagine
stessa della parola/nuvola. Per l’esperienza del lettore, per chi ama il “valore della parola”, non meno
che “il piacere del testo”, questa oscillazione può
stupire non poco, perché produce un sorprendente allargamento della stessa
poesia, la quale si muove avendo come sfondo il linguaggio comune basato sull’aristotelico
“principio di non contraddizione”. Norma della ratio e del
logos, che non rappresenta soltanto limitazioni alla comunicazione fra le
persone, ma anche l’estrinsecarsi di un sensus communis che ci permette
di comprenderci l’un l’altro: così che quando intendiamo nuvole, di nuvole
si sta parlando. Allo stesso tempo però non rappresenta nemmeno un
assoluto a cui attenerci, un dato certo privo di sfumature. L’oscillazione
della parola poetica verso la scrittura visuale (questa
la definizione che Accame propone della sua arte)
porta alla luce le sfumature inscritte nel comunicare e nell’esperire quotidiani,
accentuando ulteriormente quella dilatazione che vi operava già la
pratica della poesia. Per Accame il segno poetico è uno dei possibili compimenti della
parola poetica.
Imprescindibile il riferimento al Mallarmé
di “Un coup de dés” e alla lucidissima osservazione
del poeta francese che non parla più di una semplice lettura, ma di “una visione
simultanea della pagina” (Accame) e dunque l’acquisizione
degli spazi bianchi, del comporsi delle linee di parole come elementi compositivi
onde favorire il mantenersi della parola poetica in una condizione di
apertura, richiamando anche la sua origine di segno. D’altronde quante
volte sovrapensiero tracciamo sulla carta qualche nota di lavoro,
indirizzi, informazioni, e le sottolineamo con tratti,
volute, linee trasformando quelle righe e parole quasi in disegni, traccie di esperienze marginali del
‘non so cosa’ a cui non facciamo di solito attenzione.
Quel medesimo pezzo di carta su cui credevamo di
aver solo scritto qualche appunto e tracciato scarabocchi, si presenta ad
un secondo sguardo come un geroglifico, un imprecisato ideogramma frutto allo
stesso tempo di concentrazione e di svagatezza. Artisti come Accame, riescono a lavorare su questi ambiti marginali che
sono allo stesso tempo esperienza comune, e attenzione tutta
artistica a quel che apparentemente avviene per caso, in realtà palesando
un ordine più sottile, una pluralità di senso “…che allarga l’orizzonte verso
una segnicità della scrittura capace di inglobare nuovi strumenti
linguistici, anche di provenienza diversa da quella tradizionalmente propria
della pittura”. Dunque se di ‘origine’ si può parlare
per Accame questa sarà
posta non sotto l’unicità del principio generativo (nelle arti visive il segno,
nella poesia la parola) ma sotto la loro originaria convivenza: il numero
due può farsi base per un nuovo sistema, dove due per due non faccia più quattro,
ma ventidue (titolo della mostra tenutasi a Milano nel 1984). Senza per questo
giungere alla conclusione che tutta la matematica
“…basata sui nostri abituali valori numerici sia priva di fondamento; ma semmai
che una matematica basata su altri valori possa essere altrettanto valida;
oppure: che si può costruire una scienza senza bisogno di fondamenti”. E dunque
Sgeometrie al posto di geometrie, non per negare
l’uso dell’esattezza, ma per mantenerne la pluralità di aspetti. “Ho sempre un quaderno intitolato Sgeometrie, dove uso la geometria per sfruttarne tutti gli
elementi, distruggerla e reinventarla. Reinventare la geometria…”.
Una scienza vicina all’arte è quella a cui pensa Accame, e che come l’arte “viva di trasgressioni”. Perché
un uomo pacato come Accame,
- ha trascorso la sua vita lavorativa come redattore in una grande casa editrice
milanese, la Bompiani, ha viaggiato pochissimo,
mentre le sue opere giravano per le mostre di tutto il mondo, sempre in collettive;
le mostre personali (motivo in più per fruire dell’occasione pordenonese)
sono rarissime (“ho sempre avuto difficoltà a muovermi, confida ad Armando
Verdiglione) – parla di trasgressione? Qui va presa
in esame la sua concezione politica, che si rifà al pensiero libertario, da
cui la A cerchiata di “Anestetica”. Anarchia che va intesa innanzitutto come
atteggiamento culturale di apertura, di disponibilità
ad accogliere quel che nel farsi dell’arte si presenta sempre e di nuovo come
scioglimento di ogni ‘accademismo’, di ogni conoscenza
che pretenda di essere esaustiva. Secondo Accame, lungo un’ascendenza di esperienze
artistiche che da Mallarmé, tocca Alfred
Jarry e la sua Patafisica,
il futurismo italiano e russo, il Dada di Hugo Ball,
di Kurt Schwitters, di
Marchel Duchamp fin ai suoi compagni
di strada dagli anni ’60 (fra cui Ugo Carrega, Adriano
Spatola), senza libertà non può esserci arte. Ed è per questo che l’artista
o è anarchico o non è (artista): “Tutti i grandi scatti inventivi sono stati
fatti sotto l’impulso di questa anarchia di base.
Accrescimento della conoscenza senza pregiudizi”. Nel frammento n. 84 sempre
di Anestetica, la visione libertatia
diventa una visione della vita nel suo insieme: “Nessuna forma di anarchia
può prescindere dall’amore per la vita. Pessimismo, depressione, suicidio
non appartengono al pensiero anarchico… Anarchia vuol dire anche
e soprattutto creatività, ricerca di valori”. Quanto questo frammento sia
vero per Accame, e quanta serenità ed equilibrio
vi si esprimono è comprensibile solo se si ricorda la sua lunga malattia causata
da un tumore celebrale.
In
una straordinaria e toccante sere di chine e matite su carta
del 1998 (pubblicate per ora solo nel volume citato) Accame
tenta una cura della sua malattia,utilizzando le immagini delle cellule tomorali per riscriverle, per ridisegnarle così da ostacolarne
il proliferare. Consapevole che “indipendentemente dal successo di questa operazione” quel che attraverso la pratica aperta dell’arte
è destinato a rimanere è “…comunque una testimonianza del tentativo di riportare
il male nella sfera dello spirito, ovvero in quell’ambito
che la medicina ufficiale solitamente trascura”, Osservando le sue opere,
anche noi si è chiamati ad un esercizio di leggerezza, seguendo la sua scrittura
minuta, che ora si legge distintamente e ora, miniaturizzandosi, come ha osservato
Enrico Baj, maestro di patafisica,
diventa linea, arco, cerchio, a volte giduglia:
la spirale che si genera dall’ombelico di Père Ubu,
simbolo patafisico del “centro da cui discende la
vita”. Nei lavori degli ultimi anni compaiono mappature
e paesaggi delicatissimi, generati dallo “sfaldamento della linearità della
parola” (Accame), e dal completo smembramento della
rigida griglia tipografica. Una calligrafia dell’anima,
dove galleggiano “Isole dei numeri”, “Isole del ma” e il giallo splendente
delle “Isole del sole”.
Riccardo
Caldura, “Il Gazzettino”, 16 marzo 2003